ACTIVIDADES

Arte Ambulatorio es un programa de exposiciones itinerantes, organizado por la Fundación Cultura en Vena, que se desarrolla en hospitales (vestíbulos principales, salas de espera y habitaciones) y ámbitos rurales. Los contenidos se diseñan para ser accesibles a todas las personas, aportando una nueva relación entre el hecho cultural, el espectador, su salud y el lugar. Según investigaciones científicas, las prácticas artísticas en los entornos sanitarios y rurales son un elemento coadyuvante para la mejora de la salud psicológica, espiritual y física. Actualmente existe un marco institucional europeo y español que prescribe las prácticas artísticas en las políticas sanitarias. '¿Goya en un hospital?' es una exposición del programa Arte Ambulatorio a partir de reproducciones de obras de Goya cedidas para la ocasión por el Museo del Prado. Se trata de una selección de los cartones para tapices del pintor aragonés, agrupadas por temáticas como el humor, los retos, las emociones o la contradicción. Se acompaña con textos y talleres de mediación que explican las obras desde perspectivas innovadoras, así como de conciertos comentados con temáticas relacionadas con Goya, sus grandes temas o su época, siempre desde planteamientos de máxima accesibilidad y conexión para todo tipo de públicos. Durante los meses de verano, la exposición está acompañada de las actuaciones musicales de los grupos folk: - Atlantic Folk Trío - Caamaño&Ameixeiras - Ombligo *Convocatoria de mediación cultural: ¿Te interesa la mediación cultural? ¿Crees que es positiva la presencia de las artes en el ámbito hospitalario y el medio rural? No te pierdas esta convocatoria dirigida a mediadores culturales, profesionales de las Humanidades y las Artes, y personas inquietas interesadas en la cultura y su capacidad de impacto social. Fecha límite de recepción de solicitudes: 31 de julio a las 23.59h (hora en España). Los participantes habrán de escribir un correo electrónico a hola@culturaenvena.org, adjuntando su curriculum vitae y una carta de motivación para presentarse a la convocatoria y participar en la formación. Ver bases >  

#MusaE nace como un cruce de caminos entre dos mundos paralelos, en una tentativa de reducir la inexplicable distancia entre música y museos que esta temporada 2021 llega a su quinta edición. MusaE. Música en los Museos Estatales es un proyecto del Ministerio de Cultura y Deporte y de Acción Cultural Española que aúna música y patrimonio de la mano de jóvenes intérpretes españoles. Entre sus principales objetivos está el dinamizar la relación entre los visitantes de los museos y éstos, situando al músico como intermediador central de la comunicación a la vez que se impulsan las visitas de minorías y colectivos en riesgo de exclusión con la intención de facilitar el intercambio social. El proyecto MusaE se concreta esta temporada 2021 en un circuito de 45 conciertos y microconciertos que recorre 10 de los 16 museos estatales y en el que participarán algunos de los mejores jóvenes intérpretes españoles del momento. Entre septiembre y diciembre de 2021 se presentan pues cuarenta y cinco magníficas oportunidades de descubrir diez de Nuestros Museos a la vez que se disfruta del talento de algunos de los mejores jóvenes intérpretes españoles. Una encrucijada única de patrimonio y música al alcance de todos.

El ICAA, en colaboración con el Instituto Cervantes, Acción Cultural Española AC/E y AECID ponen en marcha “Berlanga, la risa amarga”, un ciclo cuyo objetivo es llevar la obra del director valenciano a las salas de centros culturales y filmotecas de todo el mundo. La muestra, que se compone de ocho películas, recorre cinco décadas de creación de Luis García Berlanga, desde sus inicios como estudiante de cine con "El circo" (1949) hasta "La vaquilla" (1985). El ciclo incluye un cuaderno de mano compuesto por textos escritos por cineastas actuales que contextualizan las películas seleccionadas. Inaugura el folleto Chus Gutiérrez, quien escribe sobre El circo: un cortometraje de 18 minutos que García Berlanga dirigió en 1949 durante su estancia en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas. Por su parte, Inés París reseña "Esa pareja feliz" (1951), película restaurada recientemente por Filmoteca Española cuya fecha de fin de producción, el 6 de octubre, ha sido elegida para celebrar el Día del Cine Español. Tampoco podía faltar "Bienvendido Mister Marshall" (1953), “una amarga comedia satírica”, tal y como la define María Cañas, quien reivindica el cine de Berlanga como “un soplo de sátira fresca: cáustico, socarrón, irreverente, iconoclasta, único”. Por otro lado, mientras que Mar Coll escribe sobre "Calabuch" (1956), Fernando Trueba lo hace sobre "Plácido" (1961), en un texto en el que valora los posibles motivos que han impedido el reconocimiento internacional de Berlanga y que coincide con la reflexión sobre esta cuestión que Alexander Payne realiza en su texto sobre "El verdugo" (1963). Completan la muestra "Patrimonio Nacional", película de 1980 sobre la que habla Miguel Albaladejo, y "La vaquilla" (1985), en cuya reseña Borja Cobeaga reivindica el humor para aproximarse a la realidad. Cuaderno impreso >  

La exposición reúne 50 retratos de cineastas europeos realizados por el fotógrafo Óscar Fernández Orengo. De estos la mitad, una selección de 25, corresponden a cineastas españoles en blanco y negro y en formato panorámico, retratados en espacios y lugares que ellos mismos han escogido. Entre estos están Bigas Luna, Josefina Molina, Víctor Erice, Rodrigo Sorogoyen o Belén Funes. Los otros 25 retratos corresponden a cineastas de otros países europeos, fotografiados en blanco y negro, en color y en diferentes formatos con especial predominio del cuadrado. Entre ellos  Béla Tarr, Agnès Varda, Theo Angelopoulos, Roy Andersson, Pedro Costa o Mia Hansen-Løve. Parte de la gran producción fotográfica de Fernández Orengo sobre cine ya se ha mostrado través de varias exposiciones itinerantes tanto en España como en numerosos países, algunas de estas series anteriores han sido "A través de mis ojos", "Cineastas contados","Cineastas contados... de ambos lados" o "Cineastas en su lugar", a las que ahora sigue esta sobre cineastas españoles y colombianos. AC/E itineró una muestra anterior por Colombia con el nombre de "Seguimos rodando. Cineastas colombianos y españoles" que reunía retratos de cineastas españoles y colombianos a partir de una selección de una treintena de retratos, con el objetivo de llevar al público colombiano el rostro poliédrico tanto de su cine como del español. El fotógrafo, que trabaja habitualmente con una Hasselblad X-Pan y que cree en el blanco y negro porque "da versatilidad en cualquier condición de luz en contraposición al color, que es más plástico", tiene además como referentes clásicos de la fotografía a autores que han trabajado esencialmente en blanco y negro como Eugène Atget, Diane Arbus, Richard Avedon, Robert Frank, David Goldblatt o Cartier-Bresson. Confiesa que sus series conforman "un proyecto de vida iniciado hace quince años, basado en la creación de un archivo fotográfico exhaustivo y único de directores de cine catalanes, españoles y latinoamericanos de diferentes generaciones".

Coorganizada por el Museo de Arte de Dallas y el Museo de Arte de Baltimore, esta es la primera exposición estadounidense en más de 35 años dedicada al artista español Juan Gris. "Cubism in Color: The Still Lifes of Juan Gris"  resalta las contribuciones pioneras y revolucionarias del artista al movimiento cubista al enfocarse en su fascinación por temas extraídos de la vida cotidiana. A través de más de 40 pinturas y collages que abarcan todos los períodos importantes del desarrollo del artista, la exposición revela la transformación del estilo innovador y los temas principales de Gris desde 1911 hasta 1926, un año antes de su trágica temprana muerte a los 40 años. Sus exquisitas composiciones exploran el límite entre abstracción y representación, tensión y éxtasis, color y forma. Como un examen exhaustivo de las naturalezas muertas de Gris, "Cubism in Color" brinda la oportunidad de reconsiderar el legado de este importante pero subestimado maestro modernista. Ver la nota de prensa completa > "Cubism in Colour: The Still Lifes of Juan Gris" está coorganizado por el Museo de Arte de Dallas y el Museo de Arte de Baltimore. La Fundación Robert Lehman proporciona apoyo adicional, así como Acción Cultural Española (AC/E). El Museo de Arte de Dallas cuenta con el apoyo, en parte, de la generosidad de los miembros y donantes de la DMA, el Fondo Nacional de las Artes, la Comisión de las Artes de Texas y los ciudadanos de Dallas a través de la Oficina de Arte y Cultura de la Ciudad de Dallas. Dallas Museum of Art · Curator Commentary: “Cubism in Color” Pie de foto: Juan Gris: ´Newspaper and Fruit Dish´, 1916, oil on canvas, Yale University Art Gallery; ´The Painter’s Window´, 1925, oil on canvas, Baltimore Museum of Art.

“UN VIAJE A LA ESPAÑA INTERIOR. LA CUESTIÓN DEMOGRÁFICA: MEMORIA Y OLVIDO.” La exposición es el resultado de un viaje fotográfico que llevó a José Manuel Navia a explorar varios territorios o comarcas naturales especialmente significativas para mostrar la crisis demográfica, un tema de gran actualidad en España. El proyecto es una producción de Acción Cultural Española que toma la forma de una exposición itinerante de fotografía y de un libro coeditado con Ediciones Anómalas, con textos de Julio Llamazares. Un recorrido geopoético y visual de ese “mundo que agoniza”, como un día lo llamó Miguel Delibes, de una España interior que, aunque duramente golpeada, se resiste a desaparecer.

S8) Mostra de Cinema Periférico y Acción Cultural Española (AC/E) organizan esta residencia con el objetivo de continuar una línea de trabajo que busca abrir nuevos caminos para los creadores emergentes, facilitando la creación de lazos de intercambio con una institución de relevancia internacional como LIFT-Liaison of Independent Filmmakers. Bruno Delgado ha sido seleccionado como residente en LIFT por su proyecto Frame manoeuvres to port. La duración de la residencia será de entre 4 y 6 semanas ininterrumpidas en 2021. Las fechas están sujetas a la disponibilidad de las instalaciones de LIFT en Toronto y a que lo permita la situación sanitaria provocada por la pandemia. Frame manoeuvres to port es una propuesta performativa que busca poner en paralelo una exploración territorial y otra exploración sobre los propios dispositivos de filmación y de proyección, destacando el propio encuadre como marco de la película a través de un diálogo entre el paisaje portuario de Toronto y el de A Coruña. El proyecto se materializará en una presentación expandida de cine en A Coruña en una sala con ventana con vistas al puerto, de manera que el espectador pueda asistir en paralelo a la proyección mecánica de materiales fotoquímicos y a la visión a través de la mencionada ventana, considerada un agujero para la luz y el sonido. Esta presentación se hará durante la duodécima edición del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico de A Coruña, que se celebrará del 28 de mayo al 6 de junio de junio del 2021. Más info > Bruno Delgado Ramo (Sevilla, 1991) plantea su trabajo interdisciplinar como investigaciones basadas en la práctica experimental, material y espacial de los medios cinematográficos, en las que las ideas de especificidad, proceso o lectura espacial son importantes, llevándole a pensar la filmación y la proyección como procesos lumínicos en localizaciones y contextos específicos. Su práctica se concreta en películas, acciones, propuestas espaciales y publicaciones. Su trabajo se ha programado en los festivales de Rotterdam, Pesaro o Vila do Conde; en el marco de Light Field, (S8) Mostra de cinema periférico, Nomadica, San Francisco Cinematheque, WIELS, FRACTO, BIAU XI, Rose Bruford College of Theatre and Performance o INJUVE; y junto a trabajos de Esperanza Collado en Image Forum o Taipei Contemporary Art Center. Recientemente, con apoyo del Banco de proyectos del Instituto de la Cultura y de las Artes de Sevilla, impulsa la iniciativa “kino~okno”, una propuesta centrada en la raíz mecánica, fotoquímica y óptica del cine.​ CONVOCATORIA Plazo: hasta las 23:59 (GMT+1) del 26 noviembre de 2020. Publicación del beneficiario: diciembre 2020. BASES Objeto LIFT-Liaison of Independent Filmmakers of Toronto, (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico y Acción Cultural Española (AC/E) convocan un proceso de selección para participar en una residencia de producción de una pieza audiovisual rodada en formato analógico (35mm, 16 mm, Super 16mm, 8mm o Super 8mm) en Toronto (Canadá). Beneficiarios Podrán participar en la convocatoria todas aquellas personas nacidas o residentes en España, con una trayectoria artística acreditada, que deseen realizar un proyecto audiovisual en formato analógico. Los candidatos deberán acreditar en su c.v el conocimiento de la lengua inglesa. Las solicitudes se presentarán individualmente con un máximo de una solicitud por titular. Cada solicitud se presentará en dos versiones, inglés y castellano. Duración La duración de la residencia será de entre 4 y 6 semanas ininterrumpidas a escoger entre mediados de enero y marzo de 2021 y estará sujeta a la disponibilidad de las instalaciones de LIFT en Toronto. En el supuesto de ausentarse durante las fechas acordadas sin justificación pertinente, podrá suponer la anulación de la estancia y de las ayudas otorgadas en cada caso. Presentación de solicitudes La inscripción se realizará a través de la web de la Mostra www.s8cinema.com, cumplimentado el formulario online y facilitando un enlace de descarga al proyecto en castellano e inglés, ambos en formato PDF (máximo 10 páginas) que incluyan: -Explicación del proyecto y motivación para realizar la residencia en Toronto, indicando la duración estimada y el período preferente -Calendario de trabajo -Material gráfico que proporcione una mejor comprensión del proyecto -C.V del solicitante (máximo una página) -Previsión de necesidades técnicas y de producción -Presupuesto  Los solicitantes acreditan la originalidad y autoría de los proyectos que presentan y garantizan que ostentan legítimamente todos los derechos de propiedad intelectual sobre los mismos, eximiendo expresamente a las tres instituciones convocantes de esta residencia de cualquier responsabilidad por daños y perjuicios que pudieran ser ocasionados a este respecto. Plazos Las solicitudes podrán presentarse hasta las 23:59 (GMT+1) del 26 noviembre de 2020. No se aceptará ninguna candidatura recibida una vez finalizado el plazo. En diciembre de 2020 se comunicará en las webs de los convocantes el nombre del seleccionado. El candidato/a seleccionado/a será contactado/a directamente por el coordinador del programa y deberá confirmar por escrito la aceptación en el plazo de 7 días hábiles desde su notificación. Criterios de selección Las candidaturas serán valoradas por una comisión integrada por un mínimo de tres personas miembros de las instituciones convocantes, atendiendo a los siguientes criterios: -Originalidad, calidad, innovación y coherencia de la propuesta (40%) -Coherencia del proyecto con el conjunto de la trayectoria del/a candidato/a (10%) -Adecuación de la propuesta con respecto a los recursos facilitados por LIFT (20%) -Currículum y trayectoria del/a solicitante (30%) En función de estos criterios, la comisión de valoración elegirá a un candidato y dos suplentes. La decisión será inapelable. La Comisión de Valoración resolverá cualquier circunstancia no prevista en estas bases y podrá declarar desierta la convocatoria. Por el mero hecho de presentarse a la convocatoria los participantes aceptan las presentes bases. En el supuesto de que una solicitud ya adjudicada deba ser retirada, el/la candidato/a deberá notificarlo con antelación.  Dotación La residencia se desarrollará en las instalaciones de LIFT en Toronto e incluye las siguientes prestaciones: - Tramitación del viaje de ida y vuelta a Toronto desde el lugar de residencia del artista, siempre dentro de territorio nacional. - Seguro médico durante el período de residencia que deberá gestionar y contratar el residente al que se le reembolsará el coste hasta un máximo de 300 euros. - 400 euros por cada semana de residencia, para gastos de residencia y manutención - Espacio de trabajo en las instalaciones de LIFT Toronto y uso de equipamiento técnico hasta un máximo de 2.000 euros de valoración de su alquiler según regulación de LIFT. - Ayuda adicional de 800 euros para cubrir costes de película, productos de revelado, gastos de laboratorio y otros gastos de producción. - Asistencia técnica y profesional en el proyecto a desarrollar en LIFT El pago se realizará al beneficiario de (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico de la siguiente forma: Un primer pago de hasta un máximo de 2.400 euros dependiendo de las semanas de estancia prevista, calculando 400 euros por semana con un mínimo de cuatro y un máximo de seis. Este pago se realizará a su llegada a Toronto, previa presentación de factura, y aplicando las retenciones fiscales correspondientes.  Un segundo pago de hasta 1.100 euros una vez finalizada la residencia, previa presentación de factura aplicando las retenciones fiscales correspondientes y adjuntando copia de la factura de seguro médico y una memoria que documente el proyecto desarrollado. Su presentación será condición ineludible para percibir este último pago.  Todas las cantidades mencionadas son importes brutos a los que se les aplicarán el IVA y las retenciones las retenciones fiscales correspondientes. Obligaciones del beneficiario El beneficiario se compromete a desarrollar su proyecto en los plazos de tiempo previstos en su solicitud, hacer buen uso de las instalaciones de LIFT Toronto, que serán destinadas exclusivamente a la producción de una obra audiovisual y deberá adaptarse a los horarios y dinámicas de trabajo de LIFT, respetando las instalaciones y espacios comunes. El transporte de la película producida durante la residencia correrá a cargo del beneficiario. Al finalizar la estancia, el beneficiario se compromete a presentar una memoria que documente el desarrollo del proyecto, incluyendo un calendario, necesidades técnicas y de producción y material gráfico (máximo 10 páginas). La pieza audiovisual producida durante la residencia deberá incluír la siguiente leyenda en los créditos de entrada: “película realizada en el marco de los Programas de Residencias Artísticas de (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico, LIFT-Liaison of Independent Filmmakers of Toronto y Acción Cultural Española (AC/E)” El beneficiario se compromete a realizar el estreno mundial de la pieza en la edición de (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico inmediatamente posterior a la realización de la residencia, en el mes de junio de 2021. El beneficiario ostenta los derechos de autoría y explotación de la pieza audiovisual, pero autoriza la reproducción total o parcial de la misma en acciones de promoción y difusión del programa de residencias o la actividad de (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico y LIFT-Liaison of Independent Filmmakers of Toronto y Acción Cultural Española (AC/E). Otras consideraciones El beneficiario autoriza que se cite su nombre y aparecer en imágenes (fotografía, vídeo, etc.) para la difusión informativa o promocional del programa de residencias. La organización se reserva el derecho a hacer modificaciones o tomar iniciativas no reguladas en estas bases, siempre que supongan mejoras que afecten directamente al éxito del proyecto. La interpretación de las bases dependerá exclusivamente de los miembros de la Comisión de Valoración. El incumplimiento de lo establecido en las presentes bases podría suponer la interrupción de la residencia artística y del pago de la ayuda mensual, así como, si el Comité de Valoración lo considerara oportuno, el reintegro de la ayuda.  

#50FotosConHistoriaExpo propone un recorrido por los últimos ochenta años de esta disciplina en España a través de 50 imágenes. Cada una de estas fotografías es el reflejo de una época, de una forma de entender la fotografía y de su correspondiente carga social. El recorrido visual se inicia con el estallido de la Guerra Civil, momento en el que reporteros gráficos —como Agustí Centelles o Martín Santos Yubero— se convierten en ojos y cronistas del conflicto. En la posguerra y años posteriores no dejan de surgir nombres propios —Ricard Terré, Ramón Masats o Joan Colom, entre otros— que moldean la fotografía de maneras muy diversas: a través del documentalismo, el retrato satírico, el fotoperiodismo o la fotografía de calle. La exposición continúa por una etapa de España que supuso, también en el lenguaje visual, una evolución necesaria: la Transición. En este momento surgen nuevos usos de la fotografía y nuevas voces —Alberto García-Alix, Chema Madoz, Pablo Juliá o Marisa Flórez— con discursos necesarios para una sociedad en plena efervescencia. La muestra también transita por el auge del documentalismo y la mirada de los autores españoles al exterior que se inicia en los años 90 y continúa hasta la actualidad con autores clave como Cristina García Rodero, Navia, Isabel Muñoz o Sandra Balsells. Una propuesta que repasa las miradas que marcan la actualidad fotográfica de España y la riqueza narrativa fruto de su historia. Entre la selección de fotógrafos se encuentran 17 Premios Nacionales de Fotografía y 2 Premios Nacionales de Artes Plásticas. La exposición está organizada por Acción Cultural Española a partir del libro editado por Signo Editores en 2017.

Concebida como una polifonía de voces y puntos de vista sobre la producción artística contemporánea, la 34a Bienal de São Paulo - Faz escuro mas eu canto [Aunque está oscuro, todavía canto] afirma el derecho a la complejidad y la opacidad, en expresiones de arte y cultura, así como en las identidades de individuos y grupos sociales. Con este fin, la 34a edición ha adoptado un nuevo formato, destinado a crear una multiplicidad de situaciones distintas en las que puede tener lugar el encuentro entre las obras de arte y el público. El equipo curatorial, formado por Jacopo Crivelli Visconti, Paulo Miyada, Carla Zaccagnini , Francesco Stocchi y Ruth Estévez, espera destacar cómo las interpretaciones y los significados atribuidos a las obras de arte son elásticos e influenciados por una serie de factores, incluidos posibles diálogos con otras obras de arte que se muestran a su alrededor. Los ajustes y cambios, que se han multiplicado debido a la pandemia de Covid-19, son una parte integral y relevante del proceso de insistencia, transformación y puesta a punto que se ha incluido en el diseño de la 34ª Bienal. AC/E apoya la participación de artistas españoles para mostrar su trabajo y creatividad.

#ArteYcómic | Esta exposición portátil, comisariada por Jorge Díez, hace una aproximación al arte del cómic de la mano de varios autores españoles: Ana Galvañ, Antonio Altarriba/Keko, Fermín Solís, Laura Pérez Vernetti, María Hesse, Mauro Entrialgo, Max, Pablo Auladell y Santiago García/Javier Olivares. Con un lenguaje personal y diverso, sus propuestas para la exposición abordan el arte clásico y contemporáneo a través, entre otros, de artistas como El Bosco, Velázquez, Buñuel, Frida Kahlo, Duchamp o Picasso. El recorrido plasma además la mirada de los autores participantes sobre diversos ámbitos del campo artístico: exposiciones, museos, ferias, bienales, artistas, comisarios, críticos, instituciones, público, … El cómic nació como un medio de masas vinculado a la prensa diaria a finales del siglo XIX y ha sufrido una profunda transformación. Durante mucho tiempo un sector plenamente integrado en las industrias de la cultura dirigidas al público infantil y juvenil y con una cierta cuota del mercado editorial para adultos en el campo humorístico o satírico. Tras las propuestas del cómic underground norteamericano y la vitalidad de algunos autores y editoriales europeos en los años sesenta del siglo pasado, una generación de autores del cómic llamado independiente, alternativo o de vanguardia surgió con pujanza en los años ochenta en nuestro país, tratando de abrirse camino a través de fanzines, autoediciones y pequeñas editoriales independientes. Con el nuevo siglo llegó la novela gráfica y también una nueva generación de autores, entre los que destaca por fin la presencia creciente de mujeres e iniciativas como la llegada del cómic a los grandes museos de arte.   Pero la historieta no puede encerrarse en espacios minoritarios o especializados y debe estar presente en todos los ámbitos ciudadanos en sintonía con su origen popular, a lo cual quiere contribuir esta exposición que se inaugura en la primavera de 2019 en el marco de un proyecto de arte y cultura contemporánea como es Cáceres Abierto, para itinerar a continuación a distintos festivales y ciudades españolas.

El jurado ha seleccionado al cineasta y artista visual Jorge Suárez-Quiñones Rivas por presentar una candidatura: “sólida, coherente, apasionante y al mismo tiempo sencilla, directa”. Este mismo artista quedó el año pasado como finalista. El jurado está compuesto por Dirk Snauwaert, director artístico de WIELS; Simon Thompson y Sylvie Eyberg, artistas mentores del Programa de Residencias; Zoë Gray, comisaria senior de WIELS; y Eva Gorsse, responsable del Programa de Residencias. Los finalistas han sido Christian García Bello (2) y Anna Moreno (3). Acción Cultural Española (AC/E) organiza con el centro de arte contemporáneo WIELS (Bruselas) la participación de un/una artista español/a en su prestigioso programa internacional de residencias entre julio y diciembre de 2021. Este acuerdo cuenta con la colaboración de la Consejería de Cultura de la Embajada de España en Bélgica. El objeto de esta convocatoria es facilitar la creación de redes de colaboración, de promover la movilidad de los creadores/as españoles/as, de fomentar la producción artística mediante la oferta de residencias para artistas y la disposición de espacios de trabajo, así como fortalecer los vínculos con instituciones culturales internacionales.   CONVOCATORIA Plazo de la convocatoria: Hasta el 18 de abril. Periodo de residencia: Entre el 12 de julio y el 24 de diciembre (salvo cambios ocasionados por la epidemia COVID-19) Objeto de la convocatoria  Facilitar la creación de redes de colaboración, promover la movilidad de los creadores españoles, fomentar la producción artística mediante la oferta de residencias para artistas y la disposición de espacios de trabajo, así como fortalecer los vínculos con instituciones culturales internacionales. Participantes  Pudieron participar en la convocatoria artistas mayores de 21 años, no estudiantes, con capacidad de obrar y de nacionalidad española o residentes en España y en posesión del NIE que hayan contribuido al panorama artístico español en los últimos años.  Dotación  El o la residente disponen de: - Viaje desde su lugar de residencia en España hasta Bruselas ida y vuelta. - Estudio de trabajo de 40 m2 y de uso individual dentro de la sede de WIELS y en el periodo previsto para su residencia. - Alojamiento en apartamento individual totalmente equipado y cercano a WIELS, incluyendo los gastos de electricidad, agua, calefacción e internet y en el periodo previsto para su residencia. -  La cantidad de 800 euros por cada mes de estancia, en concepto de manutención y ayuda a la producción. - Acceso a las instalaciones de WIELS, así como participación en las actividades desarrolladas dentro de su programa para Residentes (sujeto a posibles restricciones o limitaciones por la pandemia de Covid) - Tutorías semanales (presenciales y/o virtuales) por parte de artistas y creadores/as integrados en la plantilla de tutores/as del Programa de Residencia de WIELS. - Un viaje de campo dentro o fuera de Bélgica - los gastos de viaje y alojamiento estarán cubiertos, a excepción de las comidas. - Una presentación / conferencia pública durante la residencia (virtual o presencial, cuyo formato será decidido en concertación con los/as demás residentes y el equipo de WIELS) - Visitas al estudio de comisarios/as, artistas o críticos/as invitados/as por WIELS. - Inclusión de su proyecto dentro del archivo web de artistas residentes de WIELS. Documentación requerida y plazo de solicitud *Ver Bases convocatoria (PDF) > *Ver ficha de solicitud (PDF)>   Para información ulterior pueden dirigirse a: residency@wiels.org

El programa de residencias está organizado por Acción Cultural Española (AC/E), la Embajada de Francia / Instituto Francés en España y la Marie de París, con el apoyo y participación de la Residencia de Estudiantes en Madrid y Cité internationale des arts de París para la promoción del intercambio de escritores franceses y españoles. Además este programa tiene como fin crear redes de colaboración, promover la movilidad de los creadores nacionales en el extranjero, fomentar la producción creativa mediante la oferta de residencias para creadores y fortalecer los vínculos entre instituciones culturales de Francia y España. La convocatoria abierta está dirigida a escritores que residan y desarrollen su actividad en España, para una residencia de dos meses, entre enero y febrero de 2022, en la Cité Des Arts, en París. CONVOCATORIA - Presentación de solicitudes: hasta  30 septiembre 2021. - Publicación resultados: a partir del 15 diciembre 2021 en esta página web. - Ver condiciones (PDF)> - Descargar ficha de solicitud (Word)> - Más información: residenciasliteratura@accioncultural.es 

#ElViajeMásLargo​ ​ #VCentenario | Hace 500 años comenzaba en Sevilla un viaje largamente soñado por el hombre: alcanzar el mítico oriente y las islas de las especias por el lado inexplorado del mundo. Este viaje iniciado por Fernando de Magallanes en 1519 terminaría por convertirse, tres años después, en el viaje más largo de una era: la primera vuelta al mundo concluida por Juan Sebastián Elcano y los hombres de la nao Victoria en 1522. Este proyecto, que comenzó en 2018 con una instalación itinerante previa denominada "El Sueño. De la idea al proyecto", concluye con esta gran exposición que reúne los principales testimonios de este viaje excepcional, para descubrir, más allá de fechas, datos y cifras, el lado humano de unos navegantes que soñaron una ruta imposible, partieron hacia lo desconocido, exploraron el límite y regresaron para transformar el devenir de la historia al cerrar en su estela la imagen y dimensiones del mundo. La primera vuelta al mundo es, además de la mayor aventura marítima de todos los tiempos, un viaje clave en la historia de la exploración. Un símbolo del espíritu explorador del hombre de todas las épocas; de su actitud ante lo desconocido y de su voluntad por viajar más allá, una y otra vez, en busca de las fronteras del conocimiento. La exposición “El viaje más largo: la primera vuelta al mundo”, organizada por Acción Cultural Española y el Ministerio de Cultura y Deporte de España, nace con un espíritu divulgativo y con la atención puesta en el gran público, pero consciente de que esta aventura ha podido ser bien estudiada por los historiadores gracias a los cientos de documentos originales conservados en el Archivo General de Indias de Sevilla, los relatos del viaje escritos por los tripulantes y otros documentos, cartas y crónicas que permanecen en diferentes archivos y bibliotecas europeos.  La conmemoración en 2019 de los quinientos años del inicio de la primera vuelta al mundo y de los cincuenta años de la llegada del hombre a la luna es una oportunidad para soñar con nuevos viajes imposibles hacia la nueva frontera situada en Marte y otros planetas. De este modo"El viaje más largo" conecta la primera vuelta al mundo con los desafíos de la exploración actual. Así a través de recursos museográficos y referencias contemporáneas se facilita al público visitante la comprensión de su verdadera dimensión e importancia como hito histórico. > Info práctica de la exposición en el Archivo General de Indias (Sevilla) PLANO DE LA EXPOSICIÓN  

El programa de fomento de la traducción que organiza AC/E, del que esta es su tercera edición, pretende contribuir a la difusión de nuestros autores en el mercado internacional y promover la traducción de la literatura española en el marco de la Feria del Libro de Frankfurt 2022 cuando España será el País Invitado de Honor.  Este apoyo a la traducción ha demostrado ser una eficiente herramienta para la proyección exterior de nuestra literatura. La primera convocatoria en 2019 contó con un presupuesto de 230.000 euros y la segunda en 2020 se incrementó a 400.000 euros. Para esta edición ha vuelto a aumentar.   ► Para postular, pincha aquí > ► Bases de la convocatoria - Dudas técnicas sobre la aplicación: convocatoriaspice@accioncultural.es - Dudas sobre el contenido de la convocatoria: traduccion@accioncultural.es  La Feria del Libro de Frankfurt es la más importante del mundo en este sector, donde se estima que se negocian el 80 % de contratos anuales de derechos de autor, constituye una excelente oportunidad para la promoción de títulos españoles en Alemania y otros mercados estratégicos de interés para la industria editorial española como el anglosajón, el francés o el italiano. Con estas ayudas se pretende aprovechar la repercusión amplificadora que tiene la Feria. A través de iniciativas como esta, AC/E trabaja para mejorar el conocimiento en el extranjero de la literatura española, que vive uno de los momentos más interesantes de su historia reciente. > Ver dosier España en la Feria del Libro de Frankfurt 2022

La exposición recorre el carácter multifacético de Emilia Pardo Bazán (La Coruña, 1851-Madrid, 1921), novelista, influyente periodista cultural, política, crítica e historiadora de la literatura, dramaturga, cuentista prolífica y decididamente moderna; empresaria cultural con una revista y una editorial -Nuevo Teatro Crítico y La Biblioteca de la Mujer, 1890- que fueron pioneras en la difusión en España de la literatura rusa (Dostoievski, Tolstoi o Turgueniev) y de los debates franceses y británicos sobre el feminismo, con la traducción y comentario de las obras de John Stuart Mill y August Bebel. La exposición busca trasladar a los espectadores, de forma visualmente expresiva, una obra y una vida que resultan cruciales para revisar y actualizar la historia literaria e intelectual del último tercio del siglo XIX y primeras décadas del XX. Para ello reúne unas doscientas obras entre libros impresos, manuscritos, grabados y fotografías, entre otros, procedentes tanto de la Biblioteca Nacional de España como de otras instituciones.

Acción Cultural Española colabora con el Ministerio de Fomento organizando el Pabellón del España en la 17 Mostra Internazionale di Architettura de la Bienal de Venecia. La celebración, originalmente dispuesta entre mayo y noviembre 2020, se ha pospuesto a 2021 debido a la pandemia del COVID-19. Bajo el lema 'How will we live together?' y con el comisariado de Hashim Sarkis (Beirut, 1964), se llevará a cabo entre el 22 de mayo y el 21 de noviembre 2021. Los comisarios de las participaciones nacionales están llamados a abordar uno o más de los subtemas de la Exposición, como la necesidad de viviendas y equipos sociales más inclusivos o de más tejido urbano y territorial conectivo. Temas de gran actualidad y que es urgente resolver tanto en las economías emergentes como en las avanzadas. AC/E apoya la participación en la sección Internacional de la Bienal de los siguiente arquitectos y estudios de arquitectura: ► Arquitectura expandida: Ana López Ortega ► Cristina Parreño & Sergio Araya ​​► Daniel López-Pérez​ https://soa.princeton.edu/#2953 https://www.flickr.com/... ► EMBT: Benedetta Tagliabue ​​​► GFA: Urtzi Grau y Guillermo Fernández Abascal ​​​► Iñaki Ábalos ► Iván López Munuera / Ignacio García Galán THE RESTROOM PAVILION ​​​► LACOL ​​​► PRÁCTICA: Jaime Daroca, José Mayoral y José Ramón Sierra ► |Rojo Fernández-Shaw|: María Begoña Fernández- Shaw Zulueta y Luis Rojo de Castro El Ministerio de Fomento convocó un concurso para el comisariado y diseño del Pabellón de España en octubre 2019. Más info >

¿Pero hubo alguna vez ciencia en España? Esta serie de cinco capítulos en la que colabora AC/E pretende difundir nuestro pasado científico. Historiadores, bibliotecarios, científicos y artistas nos hablan de ciertas piezas y capítulos de nuestro patrimonio cultural: un manuscrito medieval, un tratado de anatomía renacentista, una colección de ilustraciones botánicas, el esqueleto fósil de un animal extinto y una campaña internacional de vacunación. Cinco episodios que permiten además tratar cuestiones como las relaciones entre ciencia y arte, la aparición del tiempo profundo o la lucha contra las pandemias. Una serie que quiere contribuir a hacer cultura científica en España, realizada por los hermanos Paco y Juan Pimentel, cineasta e investigador del CSIC respectivamente. Dirección:  Paco Pimentel Reparto:  Pilar Farjas Abadía, José Pardo-Tomás, Esther García Guillén, Juan Pimentel, Laura Fernández

#AzañaExpo | Manuel Azaña Díaz (Alcalá de Henares, 10 de enero de 1880-Montauban, 3 de noviembre de 1940) es una de las figuras más relevantes de la historia contemporánea de España, tan admirada como vilipendiada. Fue político, escritor y periodista, presidente del Consejo de Ministros (1931-1933) y presidente de la Segunda República (1936-1939). Tuvo un papel destacado en el Ateneo de Madrid, del que fue Secretario y Presidente. Colaboró en diferentes periódicos, dirigió la revista España y fundó La Pluma. Recibió el Premio Nacional de Literatura en 1926 por un trabajo sobre Juan Valera y fue un notable traductor del inglés y del francés. En su dimensión política, Azaña es uno de los principales promotores de la llegada de la República en abril de 1931. Los grandes debates del periodo cuentan con su destacada, y a veces controvertida, intervención: el Estatuto de Cataluña, la Reforma Agraria, la cuestión religiosa o el voto de la mujer. No en vano, se identificó a la República con Azaña y a Azaña con la República y se le culpó del desenlace de la Guerra Civil, cuando no de su mismo comienzo. La Exposición pretende proporcionar una imagen completa de Manuel Azaña, en su triple dimensión: humana, intelectual y política, subrayando, además de su labor como Ministro, Jefe del Gobierno y Presidente de la República, su condición de intelectual de prestigio, así como las duras condiciones de su exilio, que concluyó con su fallecimiento en la ciudad francesa de Montauban, donde su recuerdo sigue presente ochenta años después. Siguiendo una secuencia cronológica que permite entender su trayectoria en diferentes periodos: su infancia y juventud en Alcalá, su posterior desarrollo en Madrid, la exposición se adentra en tres etapas cruciales de la historia de España: la Segunda República, la Guerra Civil y el Exilio. En la muestra se exhibirán unas doscientas obras procedentes tanto de la BNE como de otras instituciones españolas y extranjeras. Para esta conmemoración se han rescatado fotografías y vídeos, muy poco conocidos, que permiten acercarse no sólo a la figura y a la obra de Azaña, sino también a la memoria de su tiempo.

Esta exposición recorre la trayectoria artística de Víctor Moscoso (Oleiros, A Coruña, 1936) a través de una cuidada selección de su obra. Moscoso fue una figura clave en el movimiento contracultural de los años 60 en Estados Unidos. Junto a otros nombres como Wes Wilson, Rick Griffin, Stanley Mouse o Alton Kelley, Moscoso marcó, a través de sus dos principales facetas, el diseño de carteles de rock psicodélico y de publicidad, y por la producción de cómics underground, un giro en el lenguaje visual del siglo XX.  Moscoso también ha diseñado logos, camisetas, vallas publicitarias y animaciones para estaciones de radio, por lo que recibió dos premios Clio. Además, recibió un premio Inkpot en 1979. También recibió una medalla AIGA en 2018. La exposición incluye obra gráfica original de Victor Moscoso, proyección de sus animaciones y una sala dedicada a sus espectaculares carteles cinéticos, además de otros elementos que ayudan a comprender las particulares aportaciones y método de trabajo del artista. Algunas de sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Louvre en París, MOMA de Nueva York, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D. C. o el Victoria & Albert Museum de Londres.

Arte Ambulatorio es un programa de exposiciones itinerantes, organizado por la Fundación Cultura en Vena, que se desarrolla en hospitales (vestíbulos principales, salas de espera y habitaciones) y ámbitos rurales. Los contenidos se diseñan para ser accesibles a todas las personas, aportando una nueva relación entre el hecho cultural, el espectador, su salud y el lugar. Según investigaciones científicas, las prácticas artísticas en los entornos sanitarios y rurales son un elemento coadyuvante para la mejora de la salud psicológica, espiritual y física. Actualmente existe un marco institucional europeo y español que prescribe las prácticas artísticas en las políticas sanitarias. '¿Goya en un hospital?' es una exposición del programa Arte Ambulatorio a partir de reproducciones de obras de Goya cedidas para la ocasión por el Museo del Prado. Se trata de una selección de los cartones para tapices del pintor aragonés, agrupadas por temáticas como el humor, los retos, las emociones o la contradicción. Se acompaña con textos y talleres de mediación que explican las obras desde perspectivas innovadoras, así como de conciertos comentados con temáticas relacionadas con Goya, sus grandes temas o su época, siempre desde planteamientos de máxima accesibilidad y conexión para todo tipo de públicos. Durante los meses de verano, la exposición está acompañada de las actuaciones musicales de los grupos folk: - Atlantic Folk Trío - Caamaño&Ameixeiras - Ombligo *Convocatoria de mediación cultural: ¿Te interesa la mediación cultural? ¿Crees que es positiva la presencia de las artes en el ámbito hospitalario y el medio rural? No te pierdas esta convocatoria dirigida a mediadores culturales, profesionales de las Humanidades y las Artes, y personas inquietas interesadas en la cultura y su capacidad de impacto social. Fecha límite de recepción de solicitudes: 31 de julio a las 23.59h (hora en España). Los participantes habrán de escribir un correo electrónico a hola@culturaenvena.org, adjuntando su curriculum vitae y una carta de motivación para presentarse a la convocatoria y participar en la formación. Ver bases >  

El 13 de octubre de 2020 se conmemora el centenario del primer concierto de la Orquesta Pau Casals en el Palau de la Música Catalana, un proyecto que Pablo Casals impulsó y creó en 1919 y que como el mismo músico reconocía, supuso uno de los retos más fructíferos de su vida artística y profesional. La Fundación Pau Casals con la colaboración del Museu de la Música de Barcelona y Acción Cultural Española celebra este centenario con una exposición dedicada a la historia de La Orquesta Pau Casals que tendrá lugar, simultáneamente, en el Museu de la Música (Barcelona) y en el Museu Pau Casals (El Vendrell), configurando dos exposiciones complementarias que darán una visión global de Pau Casals como músico y director de orquesta.  

El 13 de octubre de 2020 se conmemora el centenario del primer concierto de la Orquesta Pau Casals en el Palau de la Música Catalana, un proyecto que Pablo Casals impulsó y creó en 1919 y que como el mismo músico reconocía, supuso uno de los retos más fructíferos de su vida artística y profesional. La Fundación Pau Casals con la colaboración del Museu de la Música de Barcelona y Acción Cultural Española celebra este centenario con una exposición dedicada a la historia de La Orquesta Pau Casals que tendrá lugar, simultáneamente, en el Museu de la Música (Barcelona) y en el Museu Pau Casals (El Vendrell), configurando dos exposiciones complementarias que darán una visión global de Pau Casals como músico y director de orquesta.  

Comisariada por Mariana Pestana y organizada por la Fundación de Estambul para la Cultura y las Artes (İKSV) con el apoyo del Ministerio de Cultura y Turismo de la República de Turquía, la 5ª Bienal de Diseño de Estambul reúne diferentes formatos de exhibición. Bajo el título 'Empathy Revisited: Designs for more than one' (Empatida revisada: Diseños para más de uno) cuenta con participantes de varios países y disciplinas que intervienen en salas de exposiciones, espacios al aire libre y plataformas digitales. Los participantes españoles cuentan con el apoyo de Acción Cultural Española. La Bienal  presenta un programa generativo que comprende tres ejes principales: una serie en línea titulada 'Critical Cooking Show', un conjunto de proyectos de investigación sobre la cuenca mediterránea que se archivará en la Biblioteca de Tierra y Mar y se exhibirá en ARK Kültür, y una serie de intervenciones en el ciudad de Estambul y el Museo Pera titulado Nuevos rituales cívicos. Los proyectos exhibidos en el Museo Pera y ARK Kültür estarán abiertos para visitar hasta el 15 de noviembre de 2020, mientras que las intervenciones en la ciudad, proyectos de investigación y series de vídeos continuarán evolucionando hasta 2021. Este formato propone nuevos modos de involucrarse con el diseño en línea con las restricciones actuales en torno al distanciamiento social articulan principalmente actividades al aire libre dirigidas a audiencias locales, al tiempo que proporcionan contenido para una audiencia global. Martí Guixé, 2021. Solar Kitchen (Martí Guixé): https://www.iksvphoto.com/album/f3ee2y Con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), Universidad Bilgi de Estambul Organizado por el Programa de gastronomía y artes culinarias de la Universidad Bilgi de Estambul   Esta cocina solar pública utiliza energía alternativa, el sol, como fuente de energía. Juega con la flexibilidad de sus usuarios y su voluntad de adaptarse a las condiciones atmosféricas. A merced del clima, nos obliga a reconectarnos con el entorno, a lidiar con lo inesperado y, en última instancia, a estar sujetos a la naturaleza. Inspirados en la cultura de la comida callejera de Estambul, los accesorios específicos de Guixé equipan la cocina solar. Solar Kitchen es un nuevo desarrollo del proyecto Solar Kitchen Restaurant iniciado en 2011 junto con Antto Meliasniemi.     Microbial Fruits of Istanbul (Orkan Telhan + elii): https://www.iksvphoto.com/album/6f177k Orkan Telhan + elii, 2021 Este proyecto está encargado en coproducción con el Instituto Mutante de Narrativas Ambientales (IMNA) de Matadero Madrid y apoyado por Acción Cultural Española (AC / E), Weitzman School of Design y Kadıköy Municipality. Organizado por Kokopelli Şehirde + Nadas İstanbul   Microbial Fruits of Istanbul es una plataforma que cuenta las complejas historias de los jardines comunitarios de Estambul (bostans) desde la perspectiva de los microorganismos. Un jardín de jardines, un híbrido entre un laboratorio de microbiología del suelo y un árbol frutal, muestra cultivos microbianos recolectados de una variedad de jardines en la ciudad de Estambul, que datan de hace más de 1.500 años. Desarrollando una nueva "cultura oral", esta instalación permite al público experimentar, empatizar y aprender sobre el patrimonio de los jardines en relación con las realidades ecológicas y sociopolíticas de nuestro tiempo. A medida que se distribuyen frutas microbianas a los visitantes, un loro hablante robótico entrega sus historias en forma de fábulas escritas para las generaciones futuras. Mediante el uso de microbios que han evolucionado en los microclimas de los jardines de Estambul, el proyecto invita a los visitantes a consumir historias específicas de lugares moldeadas por el cambio climático. Microbial Fruits of Istanbul es un proyecto del Mutant Institute of Environmental Narratives (IMNA), el laboratorio de Matadero Madrid para la acción climática, en colaboración con el Departamento de Biología Molecular y Genética de la Universidad de Estambul, los colectivos Kokopelli Sehirde y Nadas. Los cultivos microbianos utilizados en el proyecto se compartirán con el apoyo de Kokopelli Sehirde y Nadas Istanbul.​           View this post on Instagram                       A post shared by İstanbul Tasarım Bienali (@tasarimbienali) #istanbuldesignbiennial #empathyrevisited

#InsurrectaBorondoSG | Este proyecto del artista Gonzalo Borondo, organizado por el Ayuntamiento de Segovia en colaboración con Acción Cultural Española, forma parte de las actividades que el Ayuntamiento realiza en conmemoración del V centenario de la revuelta comunera. Insurrecta pretende generar un recorrido urbano de libre acceso, usando las vallas publicitarias de toda la ciudad de Segovia como soporte, que convierten la ciudad en un museo al aire libre. Borondo concibe el proyecto como una iniciativa cultural a disposición de los ciudadanos, ensalzando el valor del paisaje natural y situando en el plano turístico los “NoLugares”. Las 32 obras, repartidas en 17 localizaciones, están divididas en 5 capítulos, que hilan de forma sugerente hechos históricos con una lectura personal y crítica del artista hacia la contemporaneidad. Gonzalo Borondo (1989) Borondo regresa a Segovia, ciudad que le vio crecer, a finales de 2019, después de una fructífera carrera profesional desarrollada fuera de España, que le ha llevado a exponer en museos, festivales y otras instituciones de todo el mundo. Su proyección del arte contemporáneo en espacios públicos intenta romper las barreras entre arte y vida, cuestionando los límites de la herencia cultural del contexto, a la vez que le rinde un respetuoso homenaje. La obra de Borondo es fruto de un poderoso diálogo entre su arte y los espacios en los que se ubica. Entre sus proyectos más recientes destacan la intervención en el templo de Chartrons, en Burdeos, en el marco del ciclo cultural Liberté! 2019, sus intervenciones en el Museo Contemporáneo de Roma (2018-2019), en el Festival de Musiques Interdites de Marsella, en Berlín (Urban Nation Contemporary Art Museum), y en el Festival Altrove (Italia), entre muchos otros. Ha protagonizado exposiciones individuales en Madrid, París y Londres y tiene murales en Kiev, Londres o Las Vegas.

AC/E apoya la participación de los artistas españoles Marc Roig Blesa y Claudia Pagès Rabal seleccionados por la Rijksakademie para que disfruten de una residencia de dos años de duración (enero 2020 - diciembre 2021) en sus instalaciones.  La Rijksakademie cuenta con un programa de residencias en los que participan cerca de cincuenta artistas durante un año (ampliable a dos), que tiene como objetivo proporcionar un espacio para la investigación, la experimentación y la producción de arte contemporáneo. Los artistas residentes tienen a su disposición un estudio, presupuesto de trabajo y un estipendio, además de toda la infraestructura de investigación y producción de la academia.

Esta segunda edición de CELA (Connecting Emerging Literaty Artists) agrupa a once instituciones culturales europeas de diez países diferentes y cuenta, una vez más, con el apoyo y la financiación de la Unión Europea a través del programa Creative Europe. AC/E apoya al socio español Escuela de Escritores que en el mes de septiembre 2019 seleccionó a los tres jóvenes escritores y nueve traductores españoles que forman la representación española en esta segunda edición del programa. - 20 abril 2020 - 1 de mayo 2020 | Bruselas (Bélgica) Curso de especialización en Curadoría Literaria. ​Participantes: 7 escritores y 1 profesional literario. Organizado por Huis de Buren y Passa Porta. - 18 mayo 2020 - 29 mayo 2020 | Madrid (España). Curso de especialización en Didáctica de la Escritura Creativa.  Participantes: 6 escritores y 1 profesional literario. Organizado por Escuela de Escritores. La segunda edición de CELA, que se desarrolla entre 2019 y 2023, permite a 30 escritores, 80 traductores y 6 profesionales del mundo de la edición acceder a un programa de formación, edición y promoción en el que participan algunas de las mejores escuelas de escritura del continente (la Scuola Holden de Turín, Escuela de Escritores), festivales literarios (Krakowskie Biuro Festiwalowe (Cracovia, Polonia) y empresas culturales lideradas por la productora literaria holandesa Wintertuin (Nijmegen, Países Bajos), Huis deBuren y Passa Porta (Bruselas, Bélgica), Goga (Novo Mesto, Eslovenia), la Asociación de Editores de Rumanía (Bucarest, Rumanía), el Centro Literario Checo (Praga, República Checa), la Cámara Municipal de Óbidos (Óbidos, Portugal) y la Asociación KROKODIL (Belgrado, Serbia). Para más info >